Jardins électriques
Extrait de l’exposition du 17 mai au 30 juin 2018

Extrait de l’exposition du 4 septembre au 31 octobre 2014

Écriture à hauts risques qui sait affronter le vide. Qui navigue sur les profonds remous de l’affectivité centrale, et nage lentement au cœur des renaissances invisibles, au fond du marécage archaïque. II n’y a ni passé ni avenir, mais le présent discontinu de la création. Sandra Martagex, inventive, sidérante et poignante, vagabonde dans les désordres corporels.

Christian Noorbergen
Mai 2018

Née à Paris en 1967, vit et travaille à Paris.

Résonance de  la 15^ème Biennale d’art contemporain de Lyon
Exposition du 18 septembre au 5 octobre 2019 au loft 4.40 a Lyon

Takesada MATSUTANI au Centre Pompidou a Paris du 25 juin au 23 septembre 2019

Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris
Extrait de l’exposition du 8 septembre au 27 octobre 2018 – Gravures

Matsutani Takesada se forme d’abord à la peinture traditionnelle japonaise Nihonga mais développe rapidement un intérêt pour l’art abstrait. Eminent représentant de l’art contemporain japonais, il fait partie du groupe d’avant-garde GUTAI.
Le travail créatif de Matsutani explore des techniques variées, notamment avec une utilisation unique de la colle vinylique et du graphite, les outils de prédilection de l’artiste, ou la conception d’installations monumentales et de performances. Mais la pratique de l’estampe est restée au fil des années l’un des domaines favoris de Matsutani, et a également donné lieu à des collaborations régulières avec des éditeurs et auteurs pour la production de livres d’artistes.
GUTAI était un groupe d’avant-garde formé en 1954 dans la région du Kansai, dont Osaka est la capitale par un ensemble de jeunes artistes. L’association était dirigée par le peintre pionnier de l’art abstrait Jirô Yoshihara (elle a été dissoute en 1972). Le nom “Gutai” était destiné à “présenter des preuves concrètes que notre esprit est libre”. La signification littérale du mot “gutai” est “concret”. Yoshihara exigeait sans relâche des membres un art n’ayant jamais existé et de nature abstraite. Il a organisé de nombreuses expositions et événements dans des parcs, sur scène et même dans le ciel. Les artistes ont réagi en produisant une succession d’œuvres créatives et innovantes enracinées empreintes d’idées fantastiques. Bien que les activités des artistes aient été, à l’époque, largement ignorées au Japon, le groupe a été acclamé à l’étranger et le nom « GUTAI » a été largement reconnu dans le monde de l’art occidental à la fin des années 50.

GALERIE 48

Né à Osaka, Japon en 1937, vit et travaille à Paris, France.

Matsutani participe à toutes les expositions du groupe de Gutai du 1960 au 1972.
Depuis sa première exposition personnelle en 1963 à Osaka, Japon, il entreprend une carrière internationale qui lui vaut un grand renom. Ses peintures sont représentées aujourd’hui en permanence en France, en Europe, au Japon, en Amérique du Sud et du Nord.

Accrochage de Printemps
Extrait de l’exposition collective du 21 mars au 4 mai 2019

Le bel été
Extrait de l’exposition du 22 mai au 3 juillet 2014

Dès l’âge de 17 ans dans les salons provençaux, Alain Menghini avait déjà côtoyé le milieu artistique en présentant ses œuvres en compagnie de son père, artisan d’Art et peintre. Sa première exposition personnelle aura lieu en 1968 à Paris, d’autres viendront : en France, à l’étranger, particulièrement au Japon, en Suisse, en Belgique.
Il a l’honneur des cimaises du Musée du Luxembourg pour une exposition personnelle en 1990. En 2003, il voit la chapelle de l’Ascension qu’il a décorée à l’Île-Saint-Denis consacrée et utilisée par la petite communauté des sœurs qui jouxte ce nouvel édifice.
Après une période de jeunesse où la peinture paraît être une introspection, voire une catharsis, où des personnages apparaissent ou disparaissent au milieu de monuments, Alain Menghini tourne son regard vers l’extérieur, le monde, un monde de plus en plus proche, son monde, fait au fil des années d’êtres chers, d’animaux familiers, d’objets simples, d’un jardinet qu’il affectionne.
Il aura au cours de sa vie côtoyé de nombreux artistes et pour ne citer que les peintres lyonnais, il aura reçu les encouragements de Fusaro lors d’une de ses premières expositions. Il a exposé avec Cottavoz, partagé les cimaises de la Galerie Bellefontaine de Lausanne avec Truphémus, Lesieur, Boncompain avec qu’il est lié d’amitié, amitié aussi qui l’attache aux peintres Christin et Maly que les lyonnais connaissent bien.

GALERIE 48

Né en 1945 à Aubagne. Vit et travaille à Paris.
Etudes artistiques à Marseille et à Paris.

A participé à diverses expositions de groupe en France et à l’étranger.
Œuvres au Musée Simon Segal, Aups (Var), au Musée de Bagnols-sur-Cèze (Gard), dans les collections du Sénat et pour le Fond Patrimonial de la Ville de Corbeil.

Gentle Waves
Jane Norbury – Tatsuhiro Suizu – Hiromi Kuboi
Extrait de l’exposition du 25 mai au 15 juin 2024

INTERFACE DU VIVANT
Extrait de l’exposition du 9 novembre au 23 décembre 2017

Pendant mes études de céramique aux beaux-arts en Angleterre, j’ai fait un échange avec les beaux-arts d’Aix en Provence. Les rencontres de l’époque ont été décisives, et lors de  mon séjour dans l’atelier de Bernard Dejonge, j’ai envisagé le rêve d’un lieu de création pour moi en France. En 1991, j’ai transféré mon atelier, du centre ville de Londres à l’environnement rural de la Saône et Loire. Le changement de pays, le défrichage d’un terrain abandonné et la proximité avec la nature, m’a permis d’approfondir un travail en terre en relation avec la végétation et l’espace environnant. Ma matière d’expression reste toujours l’argile mais mon travail traverse les frontières : sculptures, installations, performances.

Après 40 ans de travail avec l’argile, je me rapproche de plus en plus de la possibilité de laisser mon corps, mon esprit et le matériau travailler ensemble, en tandem, sans qu’un ne domine l’autre. Au fil des ans, j’ai bénéficié de la pratique du yoga et j’ai réalisé que la peau de mon corps est une feuille connectée et qu’une manipulation d’une partie du corps affecte l’ensemble, que la peau est la membrane qui nous contient et qui est en contact avec le monde extérieur. Dans mes sculptures en argile actuelles, j’explore une énergie similaire entre les espaces intérieurs et extérieurs, et le mouvement créé par leur dynamique centrale.

J’ai commencé à développer des sculptures où les plis autour de l’espace central devenaient plus amples et plus importants, inspirant et expirant, et conférant une plus grande énergie au volume interne. C’est la série actuelle que j’appelle Walking skin. Travailler à plus grande échelle amplifie les mouvements provoqués par les manipulations des plaques d’argile malléables et permet à la vague du mouvement de se développer. En construisant à la main sur les formes émergentes et en suivant les moments initiaux, je permets aux ondulations de se développer en forme plus grande et plus inattendues. Je travaille les pièces à l’envers dans une forme contraignante et ne vois la pièce finie que lorsque je la retourne à la fin du processus. De cette façon, l’argile m’offre des surprises que je n’aurais pas pu imaginer.

Jane Norbury, céramiste et plasticienne, 2024

Née 1958 a Maidstone au Royaume – Uni, Vie et travail à Saisy, Saône-et-Loire, Bourgogne.

KIMONO
Extraits de l’exposition du 8 novembre au 22 décembre 2018

Depuis mon adolescence, je confectionne et couds à la main des kimonos, des haoris (vestes portées sur kimono) et des obis (ceintures de kimono) dans la plus pure tradition japonaise à partir de tissus japonais de fabrication artisanale. Je connais bien les lignes directrices ancestrales rigoureuses qui assignent que ” le kimono doit être comme-ci ou comme-ça”, de sorte que le monde du kimono traditionnel avec ses règles fort strictes n’accepte pas volontiers l’innovation. Mais ayant vu parfois portés sans allure des haoris traditionnels sur des vêtements occidentaux, j’ai eu envie de créer un haori élégant qui conviendrait sans discordance tant aux kimonos qu’à divers autres styles de vêtements. C’est ainsi que je me suis attachée à faire de nouvelles créations, inspirées par la liberté et la sensibilité des français pour la beauté dans ce pays où je vis depuis mon mariage. Pour mes créations, je sélectionne soigneusement les plus belles matières françaises et japonaises.
En épilogue, je crois pouvoir dire que c’est le tissu qui m’a amenée en France, ce pays animé d’esprit et de goût qui reconnait et admire les belles choses, au-delà de toute considération d’époque, d’âge, ou de géographie, et où l’on peut s’exprimer en toute liberté. Finalement, je pense pouvoir dire qu’il a avivé ma passion pour les tissus, et développé en moi le sens de la beauté. Au Japon, je souhaiterais insuffler un vent nouveau dans le monde du kimono classique avec les plus beaux tissus français. En France, j’aimerais faire connaître la beauté des fabrications japonaises.

Yuco OYA-SATO

Née à Wakayama au Japon en 1969, vit et travaille à Sélestat en France.

Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains
Pierre ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – Carl-Henning PEDERSEN – Gottfried SALZMANN – Richard TEXIER
Extrait de l’exposition du 10 septembre au 29 octobre 2016

Carl-Henning PEDERSEN

Né en 1913 et décédé en 2007 à Copenhage au Danemark.
L’un des principaux artistes danois de la seconde moitié du 20e siècle, membre clé du mouvement CoBrA (Copenhague – Bruxelles – Amsterdam) entre 1948 et 1951.
Sa peinture est vive et spontanée, on l’a dénommé le « Chagall de Scandinavie ».  Redécore, dans les années 80, la cathédrale gothique de Ribe au Danemark.

Au-delà des rivages – L’intersection de la lumière et de la structure
Extrait de l’exposition du 16 septembre au 4 novembre 2017

Choix de petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Mon travail est la conséquence d’un processus. Plutôt qu’une image, chaque œuvre est un objet créé à travers la succession des actions et des réactions aux propriétés des matériaux employés, ainsi qu’à leurs relations. J’obéis à l’instinct qui me guide parmi de nombreuses options, le processus de création devenant une exploration intuitive des différentes possibilités. Des impératifs se manifestent alors au sein des connexions découvertes, du motif réalisé et de l’association sélectionnée, ce qui aboutit à la création d’une réalité autonome.
Comme un acte de foi, la réponse instinctive que je trouve en moi guide le processus, révélant ma nature même.

Joseph PIASENTIN, 2017

Joseph Piasentin, New Work

Les collages peints de Joseph Piasentin réjouissent le regard en laissant apercevoir la joie sans mélange que l’artiste éprouve au cours du processus créatif. Son travail s’inspire de la diversité des matériaux qu’il choisit. II dialogue avec leurs ressources tactiles, leurs textures, leurs motifs et leurs couleurs pour aboutir à un objet à la fois intime et plein de variété. Chaque couche estompe et révèle en même temps un travail sous-jacent et magistral, base sur laquelle l’œuvre prend forme. L’intuition s’affirme à mesure que l’artiste élabore sa composition, et de là naît un chef-d’œuvre.
Pour reprendre les propres mots de l’artiste : « Je considère mon travail comme un résultat de ce que je suis. Ce n’est pas une image, mais plutôt un objet qui se crée à partir d’un amalgame entre les matériaux et la réponse que je leur apporte ; entre les matériaux et ma réaction à eux et avec eux. Bien que des associations se produisent éventuellement, le résultat de la combinaison de ces matériaux, y compris la peinture, n’imite rien mais trouve une certaine réalité autonome. »
Chaque pièce est une mélodie visuelle qui nourrit l’âme par ses rythmes optiques. Elle installe un va-et-vient de relations spatiales par un recours maîtrisé aux vibrations des couleurs contrastantes . La profondeur qui en résulte est une métaphore des riches expériences qui se superposent dans la vie, un aperçu du processus qui célèbre la vertu la plus élémentaire de celle-ci – être dans le moment.

Donna Granata, 2017
Fondateur / Directeur exécutif
Focus on the Masters

Né en 1950 aux États-Unis à San Mateo en Californie, vit actuellement à Ojai en Californie.

Paysages introspectifs – Saison 5
Exposition collective du 20 mars au 17 mai 2014

PERCEPTIONS – Saison 5
Extrait de l’exposition du 1er décembre au 28 décembre 2012

Zingaro
Extrait de l’exposition du 10 mars au 15 avril 2012

“Je suis préoccupé par l’étymologie même du terme photographie, il est bien question de peindre, de dessiner. Ainsi la notion d’auteur demeure centrale dans mon travail, si j’ai choisi le médium photographique, c’est pour déconstruire son caractère mécanique, réintroduire la part de l’artiste qui utilise la lumière comme une matière picturale. Les monotypes que je réalise subissent divers traitements, qui les rendent uniques mais tout en renforçant leur spécificité photographique. J’agis avec la chimie comme un peintre avec sa palette, celle-ci est toujours le réceptacle (le révélateur) de la lumière avec laquelle je dessine.”

Antoine Poupel

Je me suis promené au gré des saisons à travers le Japon, parfois en France.
Au cours de quatre voyages j’accumule des images, vu de nombreux lieux, et souvent représenté des aspects du paysage.
Le thème des saisons au Japon a tellement été travaillé, interprété, que de nombreuses références ont fini par me gêner.
Ces photographies sont de petits moments d’illuminations et d’émerveillements. J’ai voulu créer ma propre saison.
II en résulte une réinterprétation par montage d’élément divers, Accompagnant des photographies directes, plus réalistes des quatre saisons.
Cette création est un mélange d’images, qui peut créer une atmosphère surnaturelle.  J’ai souvent montré ma capacité à la transformation des images, au déplacement physique du regardeur pour scruter l’image ; j’aime que le spectateur se perde parfois. Questionnement sur l’image, mais aussi sur la nature, préoccupation majeur de ce début de XXl eme siècle.
Qu’est-ce que je vois ?

Antoine Poupel aime à dire qu’il n’y connaît rien aux chevaux, cet éternel novice de l’art équestre n’est alors pas tenté de photographier la vraisemblance “hippologique”. Celui-ci met de la distance avec son sujet : celle de son objectif photographique qui révéler et réinterpréter depuis plus de vingt ans, les fresques chorégraphiques du théâtre équestre de Zingaro. Véritable “compagnon d’Art” de Bartabas, il a partagé le quotidien de cette troupe, l’a accompagné à travers le monde : d’Aubervilliers à New-York, de Moscou à Tokyo. Cette rencontre “fraternelle”, entre deux formes artistiques est née d’une véritable poésie visuelle.

Né en 1956 au Havre, France. Vit et travaille à Paris.

Son travail artistique avant-gardiste, questionnant les limites picturales et chimiques de la photographie l’a fait connaître dans le monde entier et lui a ouvert les portes des institutions photographiques les plus prestigieuses ainsi que celle du cabaret Crazy-Horse et du théâtre équestre Zingaro.

Le photographe partage aujourd’hui sa vie entre la France et le Japon, pays dans lequel il jouit d’une forte reconnaissance artistique.
Il a publié de nombreux livres et réalisé de nombreuses expositions en France, en Russie, aux État-Unis, en Europe et au Japon.

Résonance de la 15^ème Biennale d’art contemporain de Lyon
Exposition du 14 septembre au 26 octobre 2019 a la galerie
Exposition du 18 septembre au 5 octobre au loft 4.40 a Lyon

Accrochage de printemps
Extrait de l’exposition collective du 21 mars au 4 mai 2019

Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains
P. ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – CH. PEDERSEN – G. SALZMANN – R. TEXIER
Extrait de l’exposition collective du 10 septembre au 29 octobre 2016

Un regard au pluriel
Extrait de l’exposition du 5 novembre au 20 décembre 2015

Cityscapes
Extrait de l’exposition du 7 septembre au 31 octobre 2013

…Rétrospectivement, on constate du reste combien ses aquarelles, remarquables tant par leur technique que par leurs motifs, ont toujours entretenu un dialogue vivifiant avec d’autre groupes d’œuvres, qu’il s’agisse des collages et des dessins au fusain des débuts ou des photographies qui viendront par la suite et qui trouveront, là aussi, à s’intégrer de de façons particulière dans son univers artistique.
Le travail de Salzmann, indépendamment du procédé utilisé, s’inscrit toujours dans un contexte biographique et artistique. …Les vues urbaines, d’une part, et les paysages, de l’autre, sont autant de champs de tension qui s’expriment tantôt dans des nuances vaporeuse, tantôt, dans des aplats colores et dynamique. Salzmann aime à jouer avec toutes sortes de notions de la réalité. Le regard réel, l’œil photographique, la perception des reflets, le vécu actif, les émotions et le ressenti – c’est tout cela que l’artiste fait interférer et concentre dans l’image. Mais, au–delà de cette pluralité, chaque œuvre s’avère comme une expérience tout à fait personnelle de la nature, de la ville, des paysages, comme une expérience sensorielle que l ‘artiste traduit brillamment, avec une grande intelligence esthétique.

Martin Hochleitner, Directeur du Musée de Salzbourg
Extrait de l’avant–propos du livre GOTTFRIED SALZMANN, Cityscapes

Dans le domaine de l’art à la fin du XXe siècle, il existe une technique tabou aux yeux des avant-gardistes : l’aquarelle. Cela est d’autant plus étonnant que le développement de l’art, depuis les années 1960, ne connaît absolument plus de limites esthétique ni technologiques.
La liberté de création permet à l’artiste de recourir à tous les matériaux et a toutes les techniques allant des formes d’expression industrielles aux formes d’expression artisanales traditionnelles. Seule l’aquarelle semble être corrompue par l’abus des cours sans originalité destines aux peintres amateurs, de la Toscane au nord de l’Allemagne. Cela accroît aussi le sentiment d’une injustice historique, laquelle est d’autant plus inexplicable que la première moitié du XXe siècle a vu encore quelques-uns des artistes les plus remarquables démontrer leur talent d’aquarellistes, Paul Klee ouvrant la marche avec d’autre artistes du Cavalier Bleu (der Blauer Reiter).
Faire de l’aquarelle dans ce contexte typique de l’époque semble donc tout aussi risqué que de se spécialiser dans les vues topographiques : vedute urbaines et paysages. Gottfried Salzmann lève radicalement un tabou en se consacrant à ces motifs si longtemps dédaignés. II utilise en effet une technique frappée d’un verdict esthétique qui a toutefois déjà trouvé son grand maître, dans un autre style en la personne du vieil Oskar Kokoschka. Et pourtant, on ne pourrait pas s’imaginer plus grande différence entre les dessins de Kokoschka à l’aquarelle et la technique humide sur humide, unique en son genre, de Gottfreid Salzmann. Salzmann est en effet beaucoup plus proche d’Emil Nolde et de William Turner, parfois également de Rudolf von Alt, et du peintre de Graz, toujours autant sous-estime, Wilhelm Thöny. Salzmann reste cependant unique, tant sur le plan de composition qu’au niveau des couleurs. Bien que la virtuosité ne soit plus depuis longtemps gage de qualité artistique, on ne peut s’empêcher de considérer Gottfried Salzmann comme l’aquarelliste probablement le plus virtuose et le plus complexe des dernières décennies. Salzmann sait faire du papier blanc exempt de tout pigment un support expressif aussi important que la couleur et dans le même temps un élément stabilisateur pour ses compositions. Ses éclaboussures d’eau et de couleurs, comme reparties au hasard sur le papier, sont d’une délicatesse qui n’a rien de doux ou de superficiel en soi, pour la simple raison que celle-ci fait partie, dans un équilibrisme japoniste, de la conception d’ensemble : elle n’est jamais une fin en soi.
Pour l’Albertina, la collection d’aquarelles de Salzmann, propriété du musée, compte parmi les plus précieux trésors.

Klaus Albrecht Schröder
Conservateur en chef du Musée Albertina – Vienne

Né à Saalfelden (près de Salzbourg, Autriche) en 1943 et vit à Paris.

Après ses études à l’École des Beaux-Arts de Paris, dès 1973, la date de sa première exposition, il entreprend une carrière internationale renommée. Il a, depuis, réalisé plus de 300 expositions personnelles. Ses peintures sont représentées en permanence en Allemagne, en Angleterre, en Autriche, en Belgique, aux États-Unis, en France, en Hongrie, au Japon, au Liechtenstein, aux Philippines, en Pologne et en Suisse.

Choix de petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Paysages introspectifs
Ses séries de Mokuhan-ga par la technique d’Ukiyo-é, Monotypes
Extrait de l’exposition collective du 20 mars au 17 mai 2014

Retrouve Shingai Tanaka
Extrait de l’exposition du 7 novembre au 21 décembre 2013

Le sous-titre de l’exposition, “Retrouve..”, symbolise la rencontre des œuvres de deux esprits créatifs, celui de mon regretté maître de calligraphie au pinceau, Shingai Tanaka et le mien.
Jeune homme, j’ai vécu au Japon pendant sept ans, complétant mes Masters en Beaux-Arts à Tokyo avant de partir m’installer à Kyoto. J’ai passé les quatre années suivantes sur place à étudier la calligraphie au pinceau sous l’égide de Shingai Tanaka.
“Retrouve..”, tenue à la GALERIE 48, est la troisième exposition regroupant nos œuvres en dehors du Japon, la première s’étant déroulée à Édimbourg en 2001 et la seconde à Lyon en 2005, c’est d’ailleurs durant cette dernière que j’ai vu Shingai pour la dernière fois.
Etudier la calligraphie au pinceau pendant une si longue période m’a permis de me faire une idée de la philosophie orientale, et m’a orienté vers une approche plus méditative, plus abstraite de mon travail. Un fort intérêt pour la spiritualité marié à un sens de l’esthétique à l’orientale ont permis la réalisation d’œuvres contemplatives qui reflètent mon propre rapport à la spiritualité dans mon chemin de vie.
Travailler sur “Retrouve..” m’a permis de revisiter la structure de mon travail en le rendant plus calligraphique : en utilisant de l’encre sumi pour tracer des lignes au pinceau, puis une technique de surimpression à partir de blocs de bois aux couleurs et textures douces. D’autres œuvres se caractérisent par une impression chargée sur des blocs de bois, à la surface desquels la ligne calligraphique a été gravée. Utiliser du papier oriental fabriqué à la main rajoute une certaine dimension au subtil effet de superposition du tracé calligraphique. Peut-être cela symbolise-t-il les multiples couches qui constituent nos vies, ou alors le voile fin qui sépare le monde tel que nous le percevons de celui qui se trouve au-delà de notre entendement.

 Campbell Sandilands,
Édimbourg, octobre 2013

Né à Perth (Écosse) en 1962, vit et travaille à Édimbourg en Écosse.