Lyon Art Paper
Salon de dessin contemporain du 4 au 8 octobre 2023

Ces lieux proposés aux regards que sont mes œuvres participent à la recherche de cette fonction poétique du lieu dans laquelle je pourrais situer la genèse de mon travail. Un lieu qui n’est pas de l’ordre de la représentation mais de l’ordre du surgissement et qui invite au voyage. Un lieu qui est et qui n’est pas. Ce lieu qui est en nous ou qui n’y est pas. Il n’est ni d’ici, ni d’ailleurs, ni ici, ni là.
Il est.
Reste le mystère de la rencontre avec les œuvres. Celui du choc émotionnel qui révèle de l’éblouissement ou de la révélation, maintenant, ici, avant même toute intellectualisation. Reste le mystère de leurs métamorphoses, par leurs interactions mutuelles dans le musée imaginaire qui n’existe que dans notre esprit.
Reste l’indicible.
Reste le mystère.

Serge SAUNIÈRE

Serge SAUNIÈRE
Extrait de l’exposition du 16 mars au 6 mai 2017

Loin, très loin, à des années lumières du tapage et des fracas, Serge Saunière explore l’infini, l’immatériel, l’ineffable. Du grand vide lumineux aux ténèbres profondes, tout est silence, tout est distance. Voyageur solitaire, il s’empare du moment qui passe, l’arrête un instant et, dans un souffle, nous en restitue la quintessence.
Proche de l’ascèse, maître du noir et blanc, il entre-ouvre la porte de l’extrême orient, celle de l’intemporel, de l’indicible. Son œuvre, toute empreinte de spiritualité, magistralement maîtrisée, vient compléter celles de ses prestigieux prédécesseurs de la deuxième partie du XXème siècle: de Degotex, Marfaing, Soulages.

Michèle DESTARAC

Né en 1947 à la Grand Combe, Gard.  Vit et travaille à Pontault-Combault, Île-de-France.

Illusion Ontologique
Extrait de l’exposition du 18 octobre au 24 novembre 2012

“Ma recherche se fonde sur une vision de l’existence qui est en connexion avec l’univers dans lequel évolue ma création artistique. J’exprime de manière concrète des éléments d’abstraction qui servent de base à mon inspiration.
Mon but ultime est de formaliser de façon picturale des concepts qui concilient un équilibre entre idéalisme et réalité.  Mes sources d’inspiration se trouvent dans une transcription d’éléments naturels qui servent de points d’ancrage à la rencontre du temps et de l’espace que j’invite dans toutes mes créations.

“Ma vision de l’art repose sur l’illusion ontologique”

Il faut être la tête vide dans une posture méditative face au mur blanc.  Il n’est pas facile de méditer. Il faut savoir laisser entendre le temps qui passe et même accepter le surgissement  de quelque chose. Une chose qui semblerait sortir du mur ou du tableau comme une idée. Mais c’est le regard qui lui donne son existence. Cette chose n’est pas dans le tableau, elle naît du regard de l’homme qui donne la valeur aux choses. Je laisse agir une dimension psychologique comme un résultat naturel et spontané…..”

Mitsuharu Sawada

Né en 1947 à Osaka, Japon. Vit et travaille à Paris.

Gentle Waves
Tatsuhiro Suizu – Jane Norbury – Hiromi Kuboi
Extrait de l’exposition du 25 mai au 15 juin 2024

Nouvelle direction de la peinture japonaise
Extrait de l’exposition du 16 mai au 29 juin 2019

Accrochage de printemps
Extrait de l’exposition collective du 21 mars au 4 mai 2019

Dialogues avec les aînés
Peinture japonaise traditionnelle par deux jeunes peintres nippons
Extrait de l’exposition du 19 mai au 2 juillet 2016

Au Japon, depuis l’Antiquité, grâce à la nature, le phénomène de l’intuition est particulièrement apprécié ; il ne dépend pas de la logique et à chaque époque il a contribué à créer un sens esthétique. Visant un nouveau sens de la beauté, je recherchais un moyen de m’exprimer dans ce domaine de l’intuition. Comme indicateur de mon exploration, j’ai nommé ces œuvres « Khora ». Ce mot traduit un concept qui apparaît dans le Timée de Platon. Mon interprétation est que Khora représente comme un « lieu » pour une existence différente, un domaine contraire de la logique qui classe et organise les choses par la raison et le langage. Et, je crois que ce domaine est mutuellement accessible à la pensée orientale.
Il s’agit d’une série d’œuvres dans lesquelles les lignes du pinceau sont dessinées et superposées selon la technique orientale sur l’aluminium, lui-même issu de la modernité occidentale. J’exprime un nouveau domaine de l’intuition et son universalité, en incorporant et répétant les techniques et les concepts de chaque culture et civilisation.

Tatsuhiro SUIZU
Avril 2024

Biographie

Né à Hiroshima, Japon en 1987.

2013	Master en peinture japonaise de l’Université des arts de Tokyo
2011	Licence en peinture japonaise de l’Université des arts de Tokyo

Expositions personnelles

2024	“Gentle waves” GALERIE 48, Brignais, France
2023	“LANDSCAPE here and there” MARUEIDO JAPAN Fine art gallery, Tokyo
	“Tatsuhiro SUIZU” SOGO Yokohama Art gallery, Yokohama, Japon
	“Spectrum selection vol.9 – Three Elements” HONEN-IN Temple, Kyoto, Japon
	“Quietly” Fukuya hatchobori store Art Gallery, Hiroshima, Japon
2022	“SŌYŪ” Nihombashi Mitsukoshi main store Art Gallery, Tokyo
	“Atomoscape” SEIBU Ikebukuro Art Gallery, Tokyo
	“Think of water” Sendai Mitsukoshi store Art Gallery, Miyagui, Japon
2021	“L’avenir du paysage” Bunkamura Box Gallery, Tokyo
2020	“Dans le paysage” Nihombashi Mitsukoshi main store Art Gallery, Tokyo
2019	“Nouvelle direction de la peinture japonaise” Suizu et Yasuhara, GALERIE 48, Lyon, France
2016	“Dialogues avec les aînés” Suizu et Yasuhara, GALERIE 48, Lyon, France
2015	Pièces Exhibition, Gallery Goto, Tokyo
2014	“L’espoir 2014 Tatsuhiro Suizu” Ginza Surugadai Gallery, Tokyo

Expositions collectives sélectionnées

2023	“Résidence de peintures japonaises” Sen-oku Hakukokan Museum Tokyo
	“NEO JAPANESE PAINTINGS” Daikanyama Hillside Forum, Tokyo
	“Bunkamura Gallery 8/ Opening Selection Vol.2 Calm” Bunkamura Gallery 8/, Tokyo
2019	“Accrochage de printemps”, GALERIE 48, Lyon, France
	Japonismes 2018 “Tradition et transmission”, Médiathèque de Chamonix-Mont-Blanc, France
	“La Nouvelle Vague de la peinture Japonaise” Bunkamura Gallery, Tokyo
	“2018 tobi ART FAIR” Tokyo Art Club, Tokyo
	“Tradition et transmission”160ème anniversaire des relations entre la France et le Japon, Hôtel de Ville de Lyon, Hôtel de Ville de St Étienne, Lyon Mairie du 3ème,France
	“FACE 2018” Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo
2017	“5th Oka-Sho Sakura Award” Exhibition, Sato Sakura Museum, Tokyo
2016	“Yamatane Museum of Art NIHONGA AWARD : Seed 2016” Yamatane Museum of Art, Tokyo
2015	“FACE 2015” Seiji Togo Memorial Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art, Tokyo
2014	INTEN* Printemps, Institut d’art du Japon, Tokyo
2013	INTEN* Saiko, Institut d’art du Japon, Tokyo
2012	INTEN* Printemps, Institut d’art du Japon, Tokyo

*INTEN : Exposition et Concours historique de peinture japonaise après sélection préliminaire organisé par l’Institut d’art du Japon.

Prix

2024	Lauréat de l’exposition Nikkei Japanese Painting Award (The 9th Higashiyama Kaii Memorial Nikkei Nihonga Award)

Collection

Privées : Au Japon et en France

Publique : Université des arts de Tokyo

Réflexion(s)
Extrait de l’exposition du 24 janvier au 2 mars 2019

Choix de petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

dialogue entre peinture, gravure et livres d’artiste
Extrait de l’exposition du 6 novembre au 23 décembre 2014

Peintures – dessins – livre d’artiste
Extrait de l’exposition du 8 septembre au 13 octobre 2012

Je travaille depuis deux ans à l’élaboration d’une série de tableaux et de livres d’artiste intitulés « Unwanted Plant » : les plantes déracinées. J’ai d’abord arraché des plantes considérées comme « de la mauvaise herbe », dont généralement les noms nous sont inconnus. Puis je les ai scannées de la fleur à la racine, dans mon atelier, en respectant chaque feuille, chaque brindille. Enfin je les ai couchées dans un livre en accordéon ou sur une toile , elles sont si grandes et si belles… Quand j’y songe, les « mauvaises herbes » ne sont pas les seules indésirables ou sans racines dans notre monde…

Motoko Tachikawa
Janvier 2019

Quand la croisée des cultures sollicite l’imaginaire d’un destin fort, la créativité donne naissance à des œuvres qui fédèrent des signes d’une richesse profonde.
De ses peintures cousues aux monotypes, de ses estampes et motifs gravés à ses livres d’artistes imprimés sur métal ou en édition numérique, Motoko Tachikawa nous entraîne au sein d’un univers qui mêle le végétal, minéral, à la recherche des lieux de vie ou de voyages.

Christophe Comentale
Art & Métiers du Livre N°276 – Extrait de ” Motoko TACHIKAWA,
dialogue entre peinture, gravure et livres d’artiste”

Artiste plasticienne japonaise. Vit et travaille à Paris.

Réflexion(s)
Extrait de l’exposition du 24 janvier au 2 mars 2019

Vie Silencieuse – Photographie au sténopé
Extrait de l’exposition du 21 mai au 4 juillet 2015

Le reflet est parfois si capricieux qu’il échappe facilement à notre rétine. Pour qu’il se dévoile, comme sous un regard attentif, et s’impressionne sur un film je recours à une boîte magique pourvue d’un trou minuscule qui s’appelle le STÉNOPÉ.
Cet appareil photo, démuni de viseur, ne peut être dit comme un prolongement de l’œil humain mais il s’avère un complice de captures d’inattendus, qui se révèleront quelques temps après, au développement. Au lieu du déclic instantané d’un reflex, la lumière perce les ténèbres lentement et silencieusement au travers de ce petit trou, pour calmement, comme les ondes à la surface de l’eau, confondre la perspective sur la plaque. Toute ma réflexion précède la prise de vue puis j’attends qu’elle se révèle dans la cuve de ma chambre noire. La complicité entre la réflexion et le sténopé me fascine toujours.

Mieko TADOKORO
Janvier 2019

Née en 1952 à Tokyo, vit et travaille à Tokyo.

Mieko Tadokoro, sténopiste japonaise, a appris la photographie au sténopé au musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône en 1990. Depuis elle photographie principalement Paris et expose au Japon et en France. Elle s’engage dans la promotion du sténopé en donnant des cours dans les musées, centres culturels, écoles, etc., et au travers de différents médias comme des programmes TV et des magazines japonais. Ses 2 manuels* ont incité de nombreux japonais à s’essayer à cette technique. Les lycées japonais des beaux-arts adoptent ses photographies au sténopé de 2007 à 2010 dans leurs livres scolaires.

Membre de l’Association pour la Photographie Ancienne et ses Techniques (A.P.A) depuis 1995 / Marraine de la première année du CAP photo du Lycée Professionnel Quinault, Paris, 1999-2000 / Présidente de « Japan Pinhole Photographic Society », l’association des amateurs du sténopé.

Bibliographie : Manuels* « Photographie au sténopé », Bijutsu Shuppan-sha, Japon, 1993
« Prendre une photographie au sténopé », Ondori-sha, Japon, 1998
Livres de photos : « Hariana-no-Paris » (Paris au sténopé), Kawade Shobo Shinsha, 2006 « Ichiyo ni Aitakute (I want to meet Ichiyo) », Kawade Shobo Shinsha

Gravures d’aujourd’hui – Six artistes contemporains
Pierre ALECHINSKY – Hervé DI ROSA – Speedy GRAPHITO – Carl-Henning PEDERSEN – Gottfried SALZMANN – Richard TEXIER
Extrait de l’exposition du 10 septembre au 29 octobre 2016

Richard TEXIER

Né en 1955 à Niort (Deux-Sèvres). Vit et travaille à Paris.
Partage son enfance entre le littoral atlantique et le marais Poitevin.
Nomade, les résidences et ateliers à travers le monde sont autant d’occasions de peindre, sculpter, créer des tapisseries, de réaliser des films pour des expositions ou des commandes publiques.

Au-delà des rivages – L’intersection de la lumière et de la structure
Extrait de l’exposition du 16 septembre au 4 novembre 2017

Choix de petits formats
Extrait de l’exposition collective du 5 novembre au 23 décembre 2016

Hasard et Nécessité
Extrait de l’exposition du 19 mars au 16 mai 2015

Les possibles offertes par la forme géométrique

Les superpositions de tissus colorés semblent se balancer dans le vent. Et laissent entrevoir de la lumière de l’autre côté. Parfois, celle-ci se concentre en un halo lumineux mouvant. Et l’on peut se demander si elle n’est pas d’un autre monde. La peinture de Toko Tokunaga laisse notre imagination courir librement, tout en nous laissant un sentiment de frustration qu’elle n’en montre pas plus. Mais n’est-ce pas un trait du caractère japonais ?
Les points, les lignes, les surfaces sont justes des éléments géométriques fictifs qui ont perdu leurs dimensions propres. Mais Toko Tokunaga sait que ces éléments vont échapper aux intentions de l’artiste, pour devenir des représentations de bien différentes tailles et formes de ses expériences et de ses souvenirs. Ainsi Toko Tokunaga ne se préoccupe plus de l’image, tout en poursuivant inconsciemment une vive mise en forme de sa mémoire : elle jouit de sa peinture.
Que de mystères nés du pouvoir de façonnage de l’artiste, splendide fusion de son identite japonaise et des fruits de 17 ans recherches parisiennes.

Taizai MIZUKAMI 2017
Professeur de peinture à l’huile
Université d’art de Musashino, Tokyo

Le thème principal de mon travail est la mémoire, ses éléments picturaux et ses gestes. Ces dernières années, j’essaie de visualiser en couleur les fragments de mémoire qui flottent dans l’esprit des hommes. Je les ai capturés, je les ai mémorisés, avec l’idée de construire des visuels du monde de la mémoire qui ne peuvent être exprimés avec des mots.
Pourquoi ai-je choisi la couleur comme un des éléments essentiels de ma création ? Parce que mes expériences créatives m’ont permis de ressentir le sentiment concret de puissance et le pouvoir de persuasion de la couleur. J’utilise la peinture vinylique < Flashe > de Lefranc & Bourgeois sur une « toile coton semi-absorbante » préparée par mes soins.
La concordance et la réciprocité entre mon matériel et le thème de la mémoire devient un élément essentiel à ma création. Aujourd’hui, à travers ma peinture, je constate que les matériaux et les thèmes expriment toujours mieux, toujours plus, leur cohérence.

Toko Tokunaga 2017

Née à Tokyo au Japon en 1967, vit et travaille à Tokyo, après avoir résidé en France de 1991 à 2007.

Dialogue d’artistes, Paris-Ôsaka, Ôsaka-Paris
Extrait de l’exposition du 8 septembre au 27 octobre 2018/p>

Tout ce dont j’ai besoin pour travailler, c’est la simple vue de ce qui m’entoure, au-dessus de moi, en-dessous. Dans mon for intérieur, la complexité et l’immédiateté des pensées, des inspirations, des images virtuelles n’aspirent qu’à être débloquées. Dans cette logique, ils deviennent une peinture, une aquarelle, une plaque gravée, un livre, une pierre taillée, quelque chose de tangible pour en laisser une trace.

Kate VAN HOUTEN

Kate Van Houten suit des études de sculpture en Italie, à Milan. Suite à sa formation en Europe, elle passe par Paris et apprend la gravure sur cuivre et sur zinc ainsi que la sérigraphie dans l’Atelier 17. Elle pratique la gravure, les peintures, le dessin, les livres d’artiste. Dans les années 1990, un nouveau terrain s’ouvre à elle avec la pierre. Sa sculpture est façonnée en découvrant la forme de la pierre. Kate Van Houten explore la forme et la terre avec plusieurs moyens d’expression. Elle épouse à Paris l’artiste japonais Takesada Matsutani et se considère au carrefour de trois cultures : américaine, européenne et japonaise.

GALERIE 48

Née dans le New Jersy aux États-Unis en 1940. Vit et travaille à Paris.

Depuis sa première exposition en 1968 à la Galerie Zunini à Paris, Kate Van Houten n’a cessé d’exposer en France, au Japon, aux État-Unis et en Europe dans diverses galeries.

KIMONO
Extraits de l’exposition du 8 novembre au 22 décembre 2018

Cette artiste livre son monde intime en une abstraction construite, une palette d’une grande finesse et une pâte qui offre tour à tour matité et transparences avec de délicats passages. L’on pénètre dans cet univers, savourant la beauté un peu magique de ces œuvres finement travaillées en une matière domptée avec virtuosité.
Globalement non figurative, quelques légers signes concrets la rattachent toutefois à une mémoire. Il s’agit d’émotion, d’impression qu’exprime Catherine Vindy ; une histoire personnelle et universelle avec le sens de l’ellipse. Les toiles sont animées par une mystérieuse présence ; dans la géométrie de leur construction, elle laissent libre le choix de l’interprétation. Alliée précieuse, la lumière qui sourd de la forme sculpte les reliefs dans une subtile gamme colorée très délicate. Cette création silencieuse à l’indéniable esthétique s’offre dans le silence à notre réflexion. Elle convoque l’imaginaire, des bribes de souvenirs et témoigne du pouvoir de la peinture sans le secours de la figuration dans l’enchantement des formes imprévues.

Prix Monique Corpet 2018
Fondation Taylor, Paris

Née à Dijon en 1951 et vit et travaille à Paris.